Ищу статьи из серии "Как создавалась песня/альбом"

p0sitr0n

Member
15 Июл 2008
92
21
8
38
Кемерово
Недавно прочитал 2 подобных статьи про песню Belive Шер и My Favourit Game Cardigans - свои воспоминания об истории создания треков писали авторы, продюссеры и звукорежиссеры. Результат оказался очень увлекательным и очень полезным для общего развития!

Теперь ищу статьи из той же серии, только поиск показывает, что серии-то и нет никакой, есть лишь отдельные очерки, да и те найти тяжело. Так что, если у кого-нибудь есть, поделитесь, пожалуйста!
Ну, а кто не читал - тем очень рекомендую)))
 
Дэйв Мастейн. Архитектор агрессии. Вооружение.
GW. Парни, вы много времени уделяете занятиям по игре на гитаре?

М.Фридман: Я часто занимаюсь от пяти до восьми часов в день, когда нет гастролей....

Д.Мастейн: Я не занимаюсь никогда. Перед выходом на сцену я разогреваюсь 15 минут. У меня странное ощущение, что если я начну разбираться зачем Господь вознаградил меня способностями, мой дар исчезнет....
GW. Ребята, почему вы не используете тремоло-машины?

ДМ. Эти машины - обувалово. Когда я вижу как кто-нибудь дергает за рычаг, мне кажется ,что человек слегка не в себе.. Я думаю гитару сделали для того чтобы на ней играть, а не мастурбировать....

МФ. Какие-то они глупые, эти машинки. В них нет ничего клевого...

(Guitar World октябрь 2004: Symphony of Destruction by Richard Beinstock)

GW. Звук гитар на первых дисках был достаточно злой с акцентом на средние и верхние частоты. Он отличался от других современных трешевых гитаристов того времени. Возможно потому что у гитар не было того "жирного и размазанного" звука.

ДМ. Да, конечно. У всех это было - педрильно. Все делали гитарный звук как можно гуще и толще. Но в звуковой палитре слишком много частот, чтобы все нужно было усиливать разом. Для того, чтобы был слышен и бас и ударные надо оставить им какое-то пространство, чтобы они могли вздохнуть свободно. В миксе им тоже нужно оставлять место. Если гитары все съедают, мы теряем два очень важных инструмента.
GW. Какое оборудование вы использовали при записи первых альбомов?

ДМ. Для Killing is my business и Peace Sells я использовал гитару B.C. Rich, играл я через Маршаллы и Роктроны. Для So Far, So Good я уже использовал усилители Bogner и VHT. Во времена Rust in Peace я уже использовал все подряд: Bogner, VHT и целую кучу Маршаллов c хорошим звуком (D7: чтобы это значило с хорошим звуком?). Я также начал использовать Jackson King V. Была проблема - гитара имела только 21 лад и я заказал им 24-х ладовую версия. Они сделали. Так появилась заказная модель Дейв Мастейна.

(Guitar One май 2005: Megadeth's Dave Mustaine 'Deth machines by Michael Ross)
(Guitar World февраль 2005: Architecture of aggression by Mick Bowcott)

(D7: The System has failed)
... Арсенал включает семь ESP DV8 заказных гитар Дэйв Мастэйн, все с датчиками Сеймур Дункан и разнообразной росписной работой. Система беспроводной связи Сенхайзер передает сигнал на стойку запитывемую через Monster Power AC монитор/ кондиционер питания. Стойка содержит два усилителя мощности EL34 100/100 (один - резервный) и два предусилителя Rocktron Prophesy (аналогичная схема подключения). Мульти селектор позволяет делать выбор между двумя ресиверами беспроводной связи. Программируемый ножной переключатель Rocktron All Access используется как общий центр управления. Два стека кабинетов Маршалл 4 х 12 с динамиками Vintage Celestion 30 установлены по обеим сторонам от ударной установки и работают в стерео режиме. Наклейки на стеках гласят "заказные для Megadeth Jim Marshall - 2001".

Мастейн играет на заказных струнах GHS .010 .013, .017, .030, .040, .052
Медиаторы Jim Dunlop Tortex .73
"Эти медиаторы очень удачно передают воздействие на струны, имеют хорошую структуру поверхности, препятствующую их выскальзыванию из рук"

(Guitar World декабрь 2004: Ответы Dave Mustaine на вопросы читателей)

GW: Какие педали используются в вашем арсенале?
ДМ: Поинтересуйтесь у моего гитарного техника, мне все это достаточно пофигу. Ну может быть это какой-нибудь фазер, хорус и дилей. А в целом обработка сигнала меня не парит. Я думаю, что если естественным образом вы не можете делать звук без примочек, можно сказать, вы и не гитарист совсем, а просто источник шума.....

GW: Когда вы исполняете соло на гитаре, вы, как правило можете оценить, в какой позиции оно исполняется, какая используется гамма. Или вы просто отрываетесь и все?

ДМ: Я просто отрываюсь. Я только недавно понял что такое пентатоника, когда начал брать уроки. (D7: преподаватель Ric Flauding. Мастейну пришлось заниматься после получения травмы руки для восстановления)
Преподаватель поинтересовался с какого уровня начинать занятия. С нулевого - ответил я. Это что - прикол? - спросил преподаватель. Нет, я просто не втыкаюсь в то, что делаю, с точки зрения технических деталей и названий. Вот тогда-то и выяснилось,что я играю множество пентатоник. Наверное, я исполнитель очень быстро играющий блюз.

GW. В последние годы вы переключились на ESP. Почему?

ДМ. В 2000 я пришел на Джексон с идеей создания новой версии King V, которая должна была получить название Y2KV. Но в процессе работы с оригинальной KIng V было изъято мое имя. Ну я конечно, какого хрена. Ведь снимать имя Les Paul c Гибсона никто же не стал поскольку есть уже модель Les Paul Studio......
 
Глава из книги "ABBA -люди и музыка": "В разные стороны 1981"
Перевод со шведского: Ирина Макридова.
Начало 1981-го года было для группы АББА относительно гармоничным. Бьёрн оформил в январе свои отношения с новой женой Леной. Бенни работал над новым альбомом Финна Кальвика, начатым в декабре 80-го. Во время завершающей фазы этой работы все члены группы вновь собрались в студии "Полар", чтобы заняться совершенно особым проектом.
25 января Стиккану Андерсону исполнялось 50 лет, и к этой дате, в качестве подарка юбиляру, Бьёрн с Бенни написали песню под названием Hovas vittne [Хувас виттне] "Свидетель Хувы". (Hova [Хува] - селение в провинции Скараборг. Место рождения Стиккана. Название песни обыгрывает шведское созвучие [хувас-ехувас] с "Jehovas vittne" - Свидетели Иеговы. Прим.пер.) В шуточном тексте песенки, сочинённой квартетом АББА, Микке Третовым и дизайнером обложки Руне Сёдерквистом, речь идет о собаке Стиккана Лукасе (Lucas), о любви Стиккана к колбасам и сосискам всех сортов, а также о его вечном стремлении повысить на полтона тональность песен. Что группа АББА и делает, когда поёт эти слова. Пластинка была выполнена в количестве всего 200 экземпляров из красного винила (производное полихлорвинила - пластмасса). На обороте было воспроизведено самое первое произведение Стиккана Tivedshambo [Тиведсхамбу] (Хамбу - шведский парный народный танец, напоминающий польку-мазурку. Тиведен - лесной массив на родине Стиккана. С 1983 г. - Национальный парк, заповедник. Прим.пер.) За день до 50-летнего юбилея Стиккана АББА записала в стокгольмском ресторане "Бернс" эпизод, где квартет, одетый в костюмы времен победы "Ватерлоо" в 74-м году, разыгрывает пантомиму под звуки Hovas vittne.
Ансамбль не впервые устраивал такое музыкальное чествование своим друзьям. В июне 79-го года, когда зам. Исполнительного директора (vice-VD) фирмы "Полар" Йорель Хансер (Gцrel Hanser) исполнялось 30 лет, группа записала посвященную ей песню Sеng till Gцrel [Сонг тиль Йорель] всего в 30-ти экземплярах на голубом виниле. Бьёрн тогда играл на банджо, а Бенни на клавишных. Текст, написанный Стикканом Андерсоном, прославлял организационные способности Йорель, которая, кстати, и по сей день работает с Бьёрном и Бенни. Куплеты песни все пятеро пели по очереди, а припев хором. Обе эти пластинки - Hovas vittne и Sеng till Gцrel - стали самыми редкими из всех дисков группы АББА и, если их одиночные экземпляры иногда обнаруживаются на рынке, то оцениваются коллекционерами во многие тысячи крон.
Ярким контрастом юбилейным праздненствам Стиккана стало объявление 12 февраля Бенни и Фриды о том, что они намерены развестись. Эта новость окончательно разрушила державшийся с 70-х годов образ квартета АББА, как "двух счастливых пар". "Это чисто личное решение, не имеющее ничего общего с нашей работой в группе АББА" - такова была главная идея сообщения для прессы, явно напоминающего комментарии двухлетней давности Бьёрна и Агнеты. Теперь, когда у нас в руках, как в конце учебника арифметики, есть ответы, можно утверждать, что их развод был символическим. Он продемонстрировал процесс расхождения членов ансамбля. Гармония и близкие личные отношения, которые когда-то свели их воедино, сменились дружбой и уважением к профессиональным качествам друг друга. Эти изменения неизбежно должны были оставить свои следы (хотя бы косвенно) в тех вещах, которые создавались и записывались для нового альбома.
Когда 10 февраля Бьёрн и Бенни начали новый период работы с целью написать три или четыре новых вещи, то они надеялись, что одна из них даст возможность выпустить к весне очередной сингл. На самом деле, такой сингл появился только в декабре. Первым, вполне достойным кандидатом на сингл, стала баллада Slipping Through My Fingers. Эта песня дает самую, наверное, откровенную возможность заглянуть в частную жизнь квартета АББА. Помимо этого, она является и фаворитом всех четырех членов ансамбля. Бьёрн написал текст, который пела Агнета, и речь в нем идет о тех смешанных эмоциях, которые оба они испытывали, наблюдая за ростом их дочери Линды. "Я очень точно помню момент, когда меня впервые посетило то чувство, о котором, собственно, и поется в песне, - говорил Бьёрн. Это случилось, когда я провожал Линду в школу. Она обернулась и помахала мне рукой на прощанье. А я подумал: "Вот и еще один шаг сделан. Она уходит всё дальше. Безвозвратно. Сколько же я прозевал за все эти годы?" Думаю, что это ощущение необратимости переживают все родители".
Одним из кульминационных моментов альбома стала песня When All Is Said And Done. С точки зрения сюжета, это, наверное, лучшая песня группы АББА на тему "кризис брака". "Помню, я немного сомневался по поводу текста, - говорит Бьёрн. Фрида и Бенни только что пережили развод, а ведь, собственно, об этом и шла речь. Но мне помнится, что Фрида дала своё "оґкэй" на эту тему". Так и было в действительности. "В этой песне вся моя печаль", - говорит Фрида. До сих пор эта вещь относится к числу её самых любимых.
Если рассмотреть повнимательнее те песни группы АББА, в которых речь идет о проблемах, связанных с отношениями мужчины и женщины, то интересно отметить некоторую разницу между теми вещами, которые пела Агнета и теми, что исполняла Фрида. Даже когда Фрида выступает в роли отчаявшейся женщины, все равно остается хоть капля надежды на будущее и решимость преодолеть стоящие перед ней проблемы. Она готова признать, что "это - конец, остается лишь согласиться" ("we just have to face it, this time weґre through" в Knowing Me, Knowing You), что "это не моя вина, и не твоя " ("neither you nor Iґm to blame" в When All Is Said And Done) и "никогда не поздно всё изменить" ("itґs never to late for changes" в One Man, One Woman).
Агнете же, напротив, часто довелось исполнять роль одинокой женщины на такой грани отчаяния, что она даже не находит в себе сил порвать с возлюбленным. Её песенный образ это "жалкая неудачница", у которой "отсутствует чувство собственного достоинства" ("the loser standing small… no self-confidence" в The Winner Takes It All). Она "лишь ждет, когда он позвонит" ("only waiting for a call" в One Of Us) и "умоляет его о прощении" ("I beg you to forgive" в As Good As New). "Конечно, я всегда знал заранее, когда писал текст, кто именно из девушек будет его петь, - говорит Бьёрн. Возможно, голос Агнеты представлялся мне более насыщенным грустными тонами. Но всё же я никогда сознательно не старался приспособить атмосферу текста или его тему к голосам исполнительниц".

Первый период студийной работы над новым альбомом закончился в конце апреля, и группа переключилась на съемки телевизионного шоу. Первоначально это шоу, которое получило название Dick Cavett Meets ABBA, должно было быть ретроспективой карьеры группы, и в нем планировалось объединить старые видеозаписи с новыми. Эту идея по ходу работы была отброшена, и шоу разделили на две части. Сначала американец Каветт, одно из крупнейших имен в жанре ток-шоу по тем временам, беседует с членами группы АББА, а потом следует лайв-концерт, где исполняется девять песен. Когда шоу вышло на экраны, то в большинстве стран были показаны лишь некоторые из этих песен, хотя все девять присутствовали как минимум в одной из трансляций. В лайв-альбом АББА 1986-го года были включены следующие из числа вошедших в ТВ-шоу мелодий: Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight), Super Trouper, Two For The Price Of One и On And On And On. (Последняя песня, правда, есть только в версии, вышедшей на компакт-диске).
В конце следующего месяца группа АББА снова была в студии и работала над новым альбомом. Теперь у них появился цифровой магнитофон с 32-мя каналами, который был приобретен для студии "Полар". Можно было предположить, что теперь, когда появилось дополнительных восемь каналов, отпадут все проблемы с нехваткой дорожек для записи всех придумываемых Бенни музыкальных партий. Этого, однако, не произошло, объясняет Микке Третов: "Мы просто оказались обладателями 16-ти канального магнитофона, хотя и поприятнее старого. Дело в том, что всё стало записываться в стерео вместо моно, а это значит, что каждый инструмент или голос занимал теперь не один, как прежде, а два канала".
Главным преимуществом записи "в цифре" было, конечно, отсутствие посторонних шумов, но эта повышенная чистота звука создавала первоначально проблемы для Микке Третова. "Когда мы записывали альбом Super Trouper, говорил он, мне показалось, что я наконец-то целиком держу в руках контроль над качеством записи. С появлением же цифрового магнитофона получилось, что мне всё надо было начинать с начала. Ведь когда мы записывали в аналоговом режиме, то были вынуждены записывать все партии и голоса как можно громче, чтобы заглушить шумы. Даже то, что должно было исполняться тихо. А потом, при микшировании, возвращать фрагментам нужный уровень громкости. Теперь же, с переходом на цифровую запись, исчезла одна часть проблемы, так как аппаратура сама очищала звук от посторонних шумов, но возникла другая: звукозапись "обрезалась" автоматически, как только звук был ниже определенного уровня, и машина переставала отличать, где музыка, а где шумовой фон. Звук становился чересчур чистым, так что мне приходилось придумывать разные способы компенсации этой проблемы.
Первой стали записывать песню I Am A Seeker, которая так и оставалась неизданной вплоть до 83-го года. Тогда к Бьёрну с Бенни обратились с вопросом, нет ли у них какой-нибудь совершенно новой вещи, которую им не жалко было бы отдать для того, что называлось Abbacadabra (игра слов по созвучию абба=абракадабра. Прим.пер.). Речь шла о мюзикле, который сочинили Алэн и Даниель Бублиль (Boublil). Придуманный ими мюзикл строился на старых песнях АББА, которые снабдили новыми текстами. Фрида участвовала в записях, как французской, так и английской версий. "Мы считали I Am A Seeker классной песней, но просто неподходящей для АББА", - говорит Бьёрн. Новый текст написали Don Black и Mike Batt, а записана она была в исполнении английского певца B.A.Robertson.
 
Тогда же началась студийная работа и над Like An Angel Passing Through My Room. Она сказалась самой трудной для записи среди всех песен этого альбома, и ее пришлось переписывать несколько раз. Первый вариант содержал дуэт Агнеты и Фриды, а также кибордс (keybords), гитару, бас и барабаны. Вероятно, он очень сильно отличался от той, более спокойной, аранжировки, которая вышла на пластинке.

Недовольство первым вариантом заставило группу предпринять вторую попытку в самом конце работы над новым альбомом, уже осенью. И на этот раз ничего путного не вышло. "Мне кажется, что во время второй записи мы попытались сделать эту вещь в стиле диско, - говорит Бенни, но ничего не получилось. Слишком уж было похоже на Lay All Your Love On Me, а повторять уже однажды сделанное нам не хотелось. Мы всегда пытались этого избегать".

Когда до выпуска альбома оставалось меньше месяца, в начале ноября была сделана последняя - третья - попытка записать эту вещь так, чтоб ансамбль был ею доволен. Именно эта "очищенная" версия, где остались только синтезатор с вокалом, и появилась в альбоме. Характерный звук тикающих часов был получен из инструмента "mini-moog". Микке Третов помнит, что Бенни потратил несколько часов подряд, чтобы извлечь правильное "тик-так". "Большинство вещей этого альбома The Visitors создавались с трудом. Это касается и песни Like An Angel Passing Through My Room, - говорит Бенни. Когда нам, в конце концов, удалась аранжировка с тиканьем часов и странным эхом голоса Фриды, то мы решили, что добились хоть чего-то, что придает альбому собственный, отличный от других, характер".

Бьёрн говорит, что они умышленно пытались найти более "обнаженный" способ подачи этой вещи. "Нам хотелось избежать ошибок, сделанных в песне My Love, My Life. Это произведение примерно того же сорта, но чересчур уж перегруженное излишествами аранжировки", - считает он. В памяти Фриды тоже отчетливо запечатлелись проблемы, связанные с записью Like An Angel Passing Through My Room. К тому же она осталась недовольна собственным пением. "Трудно было нащупать верную манеру исполнения, и я помню, что перепробовала массу разных вариантов, прежде чем мы остановились на окончательной версии". Быть может Агнете точнее всех удалось сформулировать суть проблемы, когда она сказала, что слушающий эту запись "ждет чего-то такого, что так и не появляется".

Одновременно с поисками наилучшего варианта этой композиции записывались, разумеется, и другие вещи для будущего альбома. В июле все четверо ушли в отпуск, проведя его в разных местах, а в августе Бьёрн и Бенни вернулись к написанию музыки. За это время Фрида записала серию телевизионных шоу Lite Grand i цrat [Лите Гран и ёрат] "Кое-что для слуха". Шоу в четырех частях, где она была ведущей программы вместе с Claes af Geijerstam, вышло на телеэкраны в сентябре и октябре.

К сентябрю в студии собрались все члены ансамбля и начали работать над Head Over Heels. Рабочим заголовком было вначале Tango - очень подходящее название для ее ритмичного стиля. Однако и эта песня может быть прекрасной иллюстрацией ко всем тем трудностям, с которыми квартету АББА пришлось сталкиваться во время записей 82-го года. Хотелось, чтобы эта вещь стала еще одной, столь типичной для манеры "веселенького" и "с искоркой в глазах" поп-стиля группы АББА. Но, по выражению Бьёрна, "не дотянули". Одной из причин можно считать её сухой, немного механический (digital - цифровой) звук, но главным было полное отсутствие веселья и радости в песне, которая таковой была задумана. "Переживания по поводу развода, а мы все через это прошли, не могли не сказаться на студийной атмосфере, - говорит Фрида. Та радость, которая всегда присутствовала в нашем пении, даже если песня сама по себе была грустной, этой радости больше не было. Мы разошлись в разные стороны, а с этим исчезло и то ощущение взаимной связи, которое всегда составляло часть нашей деятельности".

Подавленное состояние квартета нашло свое конкретное выражение в такой, например, песне альбома, как Soldiers. Прежде, чем эта вещь обзавелась названием и текстом, пришлось сначала решить другую проблему. "Бьёрн и Бенни объяснили мне, что несмотря на трёхтактный размер мелодии, они бы не хотели, чтоб она звучала, как обычный вальс, - вспоминает ударник Пэр Линдвалль. Я попытался изобрести что-нибудь "эдакое" и, вроде бы, мне это удалось". Бьёрн с Бенни также отдают должное его необычной трактовке партии барабана, оживившей мелодию, которая, по словам Микке "совсем не воспринимается, как вальс, хотя она и есть вальс".

"Придумать подходящий текст к Soldiers было не так-то просто, - говорит Бьёрн, из-за перепадов настроения между минорными куплетами и мажорным рефреном. Музыка куплета вызвала у меня прямые ассоциации с марширующими сапогами, нацизмом, а именно это начинало в то время ощущаться всё сильнее". Это интуитивное чувство преобразовалось в текст, где речь шла не только о секретных решениях в кругах высшего офицерства, о закулисных интригах, но и о людях - причем, вовсе не солдат-профессионалов - которых чересчур привораживали военные мундиры и оружие.

Пэр Линдвалль играл на ударных и в песне, которая дала название всему альбому The Visitors. В отличие от других песен пластинки, подходящая аранжировка была найдена тут практически сразу, вспоминает он. Благодаря тревожному и многозначному тексту Бьёрна, исполненному Фридой с электронным искажением ее голоса, эта песня стала одной из самых поразительных вещей группы АББА вообще.

Никогда так и не было выяснено, о каких "посетителях" ("the visitors") идет речь в тексте. Когда эти вопросы возникли после выхода пластинки, Бьёрн не захотел объяснять, что точно он имел в виду. "Когда мы записывали последний альбом, я начал немножко больше разбираться в собственных текстах, - говорит он, но опасался, что их станут воспринимать и истолковывать слишком уж буквально". Сегодня он готов раскрыть загадку и говорит, что в тексте The Visitors речь идет об опасностях, подстерегавших инакомыслящих в Советском Союзе тех лет. "Я попытался представить себе чувства человека, который сидит дома в тревожном ожидании стука в дверь, когда не знаешь, когда постучат, и ни в чем не можешь быть уверен".

Первый сингл, который был выпущен из песен альбома, One Of Us тоже был записан осенью. В нем Агнета исполняет еще одну вариацию на тему разбитой любви, а Бьёрн, Лассе Велландер и Рутгер Гуннарссон составляют временную группу The Three Boys, как было написано на обложке, когда настало время для добавления партии мандолины. "Лично я влюблен в эту вещь, - говорит Бьёрн, но у Бенни она почему-то не вызывала пламенных чувств. Я помню, что когда нам нужно было выбрать из альбома одну вещь для сингла, то мы разослали пленки с тремя или четырьмя песнями-кандидатами по разным представителям нашей фирмы по всему миру. Бенни со Стикканом сомневались в One Of Us, но когда мы получили результаты, то оказалось, что именно эту песню предпочло большинство фирм грамзаписи".

Последней вещью АББА, занявшей первое место на топ-листе Англии, стала Super Trouper. Всего получается девять "единиц" в Англии. А вот, по мнению Бьёрна, их должно было быть десять. "Нам просто не повезло. One Of Us заняла только третье место, хотя находилась на первом месте в течение целой недели. Неделя, увы, была предрождественской, когда формальных опросов не проводилось. Так что, официально, у нас только девять первых мест, а могло бы быть десять!"
 
30 ноября вышла последняя долгоиграющая пластинка группы АББА The Visitors. Тем самым ансамбль сделал последний и решающий шаг от остатков немного легкомысленного поп-стиля, который еще наличествовал в альбоме Super Trouper к мрачно-угрюмой зрелости. Тексты песен The Visitors являются в большинстве случаев продолжением "тяжелых" тем предыдущего альбома. Таких, как страх и бессмысленность существования (The Visitors, Soldiers), крах любви между мужчиной и женщиной (When All Is Said And Done, One Of Us). Либо такие более "взрослые" темы, как отношения родителей к детям (Slipping Through My Fingers) или "глянцевая попса" от 30 до 50 лет, слетающаяся на все тусовки с присутствием бульварной прессы (Head Over Heels). Тот факт, что Агнета и Фрида по отдельности исполняли слова куплетов всех песен такого типа, а в песне Like An Angel Passing Through My Room Фрида вообще поёт одна, усиливало впечатление приближающегося конца. Куда делись такие брызжущие радостью и весельем песни с хоровым многоголосием, которые в сознании людей ассоциировались с группой, создавшей Mamma Mia, Take A Chance On Me и Super Trouper?

Все четверо членов группы АББА согласны с тем, что альбом получился слишком тяжелым и мрачным. Бенни говорит, что они с самого начала стремились упростить музыкальное оформление, очистить его от излишеств, сконцентрировать внимание скорее на мелодии, чем на эффектах, достигаемых в студии. С тех пор это стало его идеалом. "Девушки поют куплеты поодиночке, а не дуэтом, потому что тексты приобрели для меня большую реальность, чем прежде, - говорит Бьёрн. Теперь я начал "слышать", что именно они поют. В начале нашей карьеры это казалось не столь важным. Теперь же позволить исполнять такие тексты в два голоса казалось мне совершенно неестественным".

Нельзя не признать, что и в этом альбоме нашлось место для шутливой песенки Two For The Price Of One (которую поёт Бьёрн). Это немножко необычная безделушка о мужчине, который отвечает на объявление о знакомстве, помещенное в газете. Объявление, как выясняется, помещено не одной, а двумя женщинами - дочкой и мамой. Первоначальный текст к выходу пластинки несколько "причесали", сделав его более "приличным". "Alice Lexy", голос которой звучал по телефону очень "sexy" пришлось переименовать в "Alice Whiting", и ее голос стал лишь "quite exciting".

"Как и во многих других случаях, исходным импульсом для написания текст песни стал заголовок (двое по цене одной), вокруг которого потом и была выстроена вся история, - вспоминает Бьёрн. Мне не очень хотелось её петь, так как я считал, что если бы эту вещь, сильную в музыкальном отношении, исполняли девушки, то у нее были бы шансы стать даже хитом. Но выпустить сингл со мной, в качестве солиста вокала, об этом даже и речь не заходила".

Много ли, мало ли оставалось на этой пластинке от "старой" группы АББА, но одна из песен данного альбома чётко указывает на то, что Бьёрн и Бенни уже находились на пути, который уводил в сторону от "старой" колеи. Речь идет о вещи I Let The Music Speak, которая явно наводит мысли на жанр мюзикла. Она была не только "пограничной", но и переступала границы "допустимого". Дело в том, что ограничения жанра, определяющие, какие вещи можно, а какие нельзя поместить на пластинке с "поп-музыкой" и явились одной из важнейших причин распада группы АББА. "В этом альбоме чувствуется сильное желание отклониться от курса, - говорит Бьёрн. Если бы АББА не записала I Let The Music Speak, я думаю, мы использовали бы эту вещь в Chess.

Решающим фактором распада, иными словами, стало то, что чувствовали Бьёрн и Бенни: в рамках квартета АББА они сделали всё, что могли, и в них всё сильнее зрело желание попробовать что-то новое. В этой ситуации начали принимать более четкие очертания смутные планы по созданию мюзикла вместе с Тимом Райсом. Он был больше всего известен своим сотрудничеством с Эндрью Ллойдом Веббером в мюзиклах Jesus Christ Superstar и Evita. В середине декабря в одном из ресторанов Стокгольма впервые встретились три будущих композитора мюзикла Chess.

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
 
  • Like
Реакции: maxxl1
Запись сингла Шер (Cher) "BELIEVE".

Этот сингл был лидером по продажам 1998 года, и представил широкой публике радикальное изменение музыкального стиля Шер – вкупе с необычным звучанием голоса. Кроме того, он был записан в маленькой студии в Западном Лондоне. Sue Sillitoe поведал удивительную историю 'Believe' и описал суть фокуса, проделанного с голосом Шер. Материал представляет Matt Bell.
На протяжении всего прошлого года казалось, что трек Celine Dion 'My Heart Will Go On' станет самым продаваемым синглом 1998 года - но её “посвящение в рыцари” было сорвано другой вокалисткой, которая не только не побоялась бросить вызов, заключённый в названии песни, но и изменила само звучание своей музыки на нечто совершенно для себя новое.
Для тех, кто не знает, о чем, собственно, идёт речь, сообщу, что “Believe” – танцевальный хит Шер, который 7 недель продержался в английских чартах и ко времени выхода этого материала в печать продался тиражом в полтора миллиона экземпляров. Менее известно то, что проект “сделали” в своей собственной студии два лондонских продюсера – Марк Тэйлор и Брайан Роулинг.
Последнее звено.
Марк & Брайан представляют Metro Productions, продюсерскую и издательскую фирму, сотрудничающую с Dreamhouse, комплексом из трёх студий в Кингстоне (Surrey). По словам Марка, несмотря на серьёзный коммерческий успех сингла, его история начиналась довольно необычно. По опубликованным данным, “Believe” является плодом совместного творчества шести совершенно разных авторов, двух продюсеров и исполнительного продюсера Роба Дикинса, бывшего председателя Warner Brothers, оставившего ныне компанию в поисках новых идей.

Марк, известный ранее по работам с Gina G и Danny Minigue, сказал, что фактически сингл является последним звеном в целой цепочке удачно спланированных событий, которая началась с обращения к авторам, работавшим на Metro Production с предложением написать песню для нового альбома Шер.
Марк говорил: “Благодаря работе с Джиной и Дэнни, которую мы проделали для Warners, у нас были хорошие отношения с Робом, и именно благодаря этому у нас появилась счастливая возможность поработать с Шер. Роб попросил нас написать для неё песню, и мы предложили 'Dov'e; L'Amore', (ещё один трек из “Believe”). Изначально Роб предполагал пригласить в качестве продюсера Джуниора Васкеза, что нас немало обрадовало – уж очень он удачлив в продвижении своего материала на первые места.”
'Dov'e L'Amore' выслали Васкезу, и вскоре он прислал свой вариант песни. Роб оказался несколько разочарован и тут же предложил попробовать свои силы Марку и Брайану.

“Это стало ещё одним счастливым звеном в цепочке успеха – стечение обстоятельств и неудача других людей”, - говорит Марк. “Мы собирались написать только одну песню, но вышло так, что нам пришлось отвечать за солидную часть альбома – в общей сложности, шесть песен, включая саму “Believe”. Остальные делали Васкез и Тодд Терри.
Поиск баланса.
Источником 'Believe' стала песня Брайана Хиггинса, Матта Грея, Стюарта Маккленнена и Тима Пауэла, которая болталась в офисе Warner уже несколько месяцев. “Всем нравится припев, но совсем не нравится всё остальное”, - комментировал Марк.
Так как мы уже были авторами других песен для Шер, Роб предложил нам привести эту песню в порядок. Двое из наших авторов, Стив Торч и Паул Берри, взялись за работу и, в конечном итоге, принесли плоды, приведшие в восторг Роба и саму Шер”.
Торч и Барри получили DAT-кассету с клавишной болванкой, взяли в руки гитары и засели за песню. После их работы неизменным остался только припев, да и тот слегка подкорректировали. “Текст припева был уже готов, наши парни добавили мелодию, текст и гармонию на запевы и на среднюю часть. Мы послали это Робу Дикинсу, и он предложил ещё несколько изменений. После этого Шер безоговорочно приняла песню.
Как только демо было одобрено, Марк и Брайан засели в Dreamhouse – студийном комплексе с микшерской консолью “Mackie” в каждой из комнат. “Мы представляли себе приблизительное направление движения”, – говорит Марк. “Роб сказал, что хотел бы подать материал в танцевальном стиле. Сложность была в том, что бы не отпугнуть уже существующих фэнов Шер. Нам вовсе не хотелось, что бы кто-нибудь заявил: "Я ненавижу это, потому что это – дэнс". А именно так могли бы сказать множество слушателей рок-баллад или MOR. Надо было правильно соблюсти возрастной баланс. Дети покупают одну музыку, а их родители – совершенно иную. Единственный путь, каким вы можете пойти, что бы получить тираж в полтора миллиона – это быть принятым сразу в обоих лагерях. Именно поэтому мне пришлось делать песню дважды”.
Марк проделал половину работы над первым вариантом, прежде чем решил отправить его в мусорное ведро. “Тогда получился какой-то hardcore dance, - говорит Марк. “Ничего интересного. Пришлось начать с самого начала. Нужно было найти какое-то необычное звучание, лежащее, тем не менее, в ключе танцевальной музыки. Это было тем более сложно, учитывая специфический характер “дэнс”. Получить то, что хотел, я смог лишь тогда, когда очень тщательно подошёл к подбору каждого звука, добиваясь того, что бы звук в целом был танцевальным, но не соответствовал бы в полной мере устоявшимся уже клише”.
“Вот что было действительно сложно, так это найти подходящий звук большого барабана – что-нибудь свежее, органично вписывающееся в музыку, но не звучащее как заезженный уже в “дэнсе” dance kick drum из TR909. В конце концов, я пришёл к сэмплу, состоящему из разных звуков, смикшированных вместе. Все барабаны на треке – сэмплированные, но исходные звуки претерпели сильные изменения – EQ, компрессия. В особенности компрессировали звук большого барабана, что бы получить плотную сочную основу”.
 
Инструментовка.
Марк утверждает, что вовсе не обязательно иметь дорогостоящее оборудование для того, что бы записать хит. “Believe” служит тому примером. “Не забывайте, я использовал только микшер “Mackie”, да и остальное оборудование было приблизительного того класса, которое может себе позволить любой читатель “Sound On Sound”. Крутая запаковка – отнюдь не гарантия того, что то, что вы запишете, станет хитом. На самом деле, всё решает сам материал, а не то, как вы его сделали”.
Зная такую позицию Марка, совсем не удивляет то, что песня была сведена при помощи Cubase VST на Mac G3, хотя голоса первоначально писались на Tascam DA88s.
“В качестве звуковой карты использовали Korg 1212 I/O, хотя основным связующим звеном между компьютером и остальным оборудованием, включая DA88s (посредством TDIF), служил конвертер Soundscape. Сэмплером был Akai S3000, для других звуков использовали наш клавишный парк, включая Clavia Nord Rack, Oberheim Matrix 1000 (как генератор белого шума для эффекта ветра в самом начале трека) и Moog Progidy для суб-баса. Очень много времени ушло лишь на то, что бы найти нужные звуки. Сэмплы брались как со специализированных компакт-дисков, так и из моей личной коллекции звуков. Как я уже говорил, я хотел, что бы сэмплы звучали по-разному, и что бы песня не звучала как старый данс-хит. Мы этого добились родным акаевским EQ, маленьким ламповым ART Tube EQ, эквалайзерами линеек пульта и разными режимами компрессии. Замечательная особенность S3000 – это возможность присвоить одной ноте до четырёх совершенно разных звуков, так что я использовал четыре разных сэмпла большого барабана из моей личной коллекции. Один – практически шумовой, второй – как бы журчащий, третий – очень низкий по тону и т.д. Простым микшированием сэмплов я смог получить нечто уникальное”.
Голос Шер писали на три Tascam DA88s микрофоном Neumann U67, по её личной просьбе – она только закончила запись с Джорджем Майклом, где пела в этот микрофон, и осталась очень довольна результатом. С DA88 голоса грузились прямо в Cubase VST на Mac, и практически всё остальное делалось уже на хард-диске. Марк: “Хорус на гитарах мы получили, обрабатывая звук гитар эффектом комбика Sessionette и снимая его микрофоном AKG C414. Далее сигнал подавался на Zoom, что бы добавить немного тремоло и слегка эквализировать его – для странности. Звук пиано брали из Emu Vintage Key, который я действительно люблю. Это – основанное на Yamaha CP80 электропиано, звук которого мы слегка обработали – что бы лучше поместить его в микс. Жёстко компрессировали его, что бы иметь определённый чёткий звук. Мы использовали много дилэя Roland SDE330, который звучит очень объёмно и, при этом, совершенно не загромождает трек. Фразу 'after love, after love', которую тоже первоначально помещали в глубокий дилэй, в конечном итоге просто отсэмплировали и обработали акаевскими фильтрами, так что звук её, первоначально тусклый и безжизненный, постепенно превращается в чёткий и ясный”.
Основной пэд, не изменяющийся на протяжении всей песни – единственный трек, который не изменялся и в процессе работы над песней. “Это – очень характерный, важный звук, на котором держится вся песня. Что бы его получить, я комбинировал два звука – один из моего старенького Roland Juno 106 и второй из Korg TR-Rack. Это именно тот случай, когда пэд и мелодия начинают работать вместе, вызывая у слушателей совершенно незабываемое ощущение. Когда я начинал непосредственно сведение второго варианта песни, я начал с того, что запустил голый пэд. Затем, добавил к нему барабаны и добился того, что бы они вместе двигали за собой всю песню. Следом поместил туда и остальные инструменты – гитару и пиано”.
Фокус с вокалом.
Каждый, кто когда-либо слышал “Believe”, отмечал необычность вокала. Марк говорил, что работа с вокалом была самой стрёмной частью проекта – ни кто не знал, как Шер отреагирует на то, что сделали из её голоса. Для интересующихся – да, это, в основном, обработка вокодером и фильтрация (для более полной информации о теории вокодерной обработки и её применении смотрите “Power Vocoding workshop” в SOS за январь'94).
Марк: “Всё это началось с Korg VC10, очень редкого и солидного аналогового вокодера эпохи семидесятых, со встроенным синтезатором, маленькой клавиатурой и микрофонным гнездом на верхней крышке”.
“Тем не менее, Korg VC10 лишь выглядит столь устрашающе, он хорош лишь тогда, когда вам необходимо получить эффект в реальном времени. Вы играете на клавиатуре для получения базового тона (несущей), одновременно поёте в микрофон для получения сигнала управления огибающей – и на выходе получаете промодулированный звук, готовый к употреблению. Звук синтезатора практически не поддаётся изменению, так что ваши возможности весьма ограничены”.
Я повозился с голосом и пришёл к выводу, что вокодер – это, в принципе, “то”, но только не Korg – звук на его выходе не был достаточно чистым. Вместо него я использовал Digitech Talker – сравнительно новую примочку, выполненную в виде старой гитарной педали”.
“Вы включаете микрофон прямо в Digitech Talker, и на выходе получаете вокодероподобный эффект, с той лишь разницей, что обработанный голос звучит столь же чисто и ясно, как и исходный. Я использовал тональный сигнал из Nord Rack в качестве несущей, вернее не сам чистый тон, а мелодию, исполненную с его помощью и записанную в Cubase. Это и придало вокалу ту “ступенчатость”, которую вы слышите периодически на протяжении всей песни. Но не сразу, а только после того, как сдвинул партию Nord Rack немного назад – без этого вокодерный эффект практически не прослушивался. Пришлось поэкспериментировать с длительностями местоположением практически каждой ноты, и в результате я добился того, что бы некоторые фрагменты звучали с естественными интонациями, а другие было бы практически невозможно разобрать”.
“В конце концов, мы использовали вокодерную секцию только в тех местах, где эффект был выражен наиболее явно, но не делал текст неразборчивым, что бы этого добиться, я делал вокодерные вставки очень короткими. Так, например, когда Шер спела 'Do you believe in life after love?' я обрабатывал только первые слоги - 'belie-' в слове 'believe'и 'lo-' в слове 'love', причём, этого оказалось достаточно для привлечения внимания. Я убедился, что последнее слово каждой вокальной фразы должно оставаться необработанным, так как в противном случае резко падала разборчивость текста в целом”.
Марк торчал в студии, тщательнейшим образом обрабатывая вокальный трек, и как-то утром вдруг понял, что он не сможет продемонстрировать Шер плоды своего труда – у него просто не хватит духа. “Такой подход был слегка радикальным”, - смеётся он. “По своей сути это было не меньше, чем просто разрушение её голоса. В конце концов, я для себя решил, что голос её звучит хорошо, и с этой мыслью нажал кнопку PLAY. После прослушивания Шер сказала: “Это звучит великолепно”. Я был польщён и обрадован одновременно – ведь звучало действительно здорово, и было бы жаль от этого отказываться, если бы ей не понравилось”.
Ещё одним явным голосовым эффектом был “телефонный” эффект. Она сама предложила использовать именно его, указав в качестве образца одну из Рокфордовских песен.
Марк объясняет: “Рокфорд использовал глобальное сужение частотного диапазона с двух сторон вкупе с внесением небольшого количества искажений. Нам пришлось повозиться, прежде чем Шер оказалась удовлетворена результатами. Мы использовали секцию фильтров гейта Drawmer DS404 и всё тот же Digitech Talker”.
Товарищ, верь!..
Запись 'Believe' заняла всего десять дней. Как только она оказалась закончена, Марк сделал примерный микс, переписал его на DAT и отправил Робу Дикинсу. К удивлению Марка, Роб остался очень доволен звуком. Он рекомендовал исправить какие-то мелкие помарки (в частности, сделать вокал чуть тише на фоне аккомпанемента), и, в конечном итоге, звучание в финальном миксе практически не отличается от того, которое было в практически демонстрационной версии. Марк объясняет: “Голос был громковат потому, что я сильно беспокоился за разборчивость текста. А вообще, это – пример того, что для того, что бы записать хит, вовсе необязательно месяцами просиживать в студии”.
“Здорово помогло то, что я мог запереться один, всё загнать в компьютер и работать там, не заботясь, что кто-то посбивает фейдера и эквалайзеры на пульте. Всегда можно было вернуться к сохранённому материалу и внести в него какие-то изменения, например, уменьшить громкость голоса”.
Мастеринг песни делали в Townhouse, изменения, внесённые в исходный звук, оказались мизерными. “Сделали фэйды, подкинули общей громкости, здесь – добавили, там – подрезали”, - говорит Марк. “В общем, несколько стандартных процедур”.
Оглядываясь назад, Марк признаёт, что самым волнительным днём был день, когда Шер, к тому времени уже шесть недель проработавшая над альбомом, впервые попала к ним в студию. “Я боялся, что она посмотрит на наше оборудование и укатит обратно в Голливуд. Но она очень спокойно и доброжелательно отнеслась к их сотрудничеству. А вообще, надо сказать, сейчас очень многие артисты работают с продюсерами, у которых есть свои студии, не обязательно большие, но хорошо оборудованные”.
Не удивительно, что, получив такого именитого клиента в свой актив, команда из Metro стала активно ангажироваться. Сейчас они завершают работу над альбомом Gypsy Kings (которая началась, когда “короли” приняли участие в записи 'Dov'e L'Amore'), записали первый сингл с нового сольного альбома Gary Barlow's, новый альбом Tamperer. Есть вероятность, что они продолжат сотрудничество с Шер.
 
“Она говорила, что хотела бы работать с нами в дальнейшем, но вы же знаете, какой может быть политика звукозаписывающих компаний!” – говорит Марк. “Всё же я надеюсь, что это случится – мы вместе сделали прекрасный проект, и получили от совместной работы громадное удовлетворение. Мы даже и не подозревали, что наш сингл продержится на вершине целых семь недель. Слушая его сейчас, я могу сказать, почему это случилось – это прекрасная песня с великолепным припевом, а вокодер всего лишь придал ей необычности".
______________________________________________________________________
 
Клавишник Шакиры – Альберт Менендез
Интервью Грэга Рула

Альберт Менендез – это первый клавишник, к которому обращается Шакира. В ее турне, начавшемся прошлой весной и проходившем в Испании, Румынии, России, Греции и других экзотических для американских артистов странах, а далее в США и в Латинской Америке, Альберт оказался в центре внимания.
Грег Рул, специалист по клавишным инструментами Roland USA, провел день с Альбертом во время остановки Шакиры на Arrowhead Pond Arena в Анахайме, штат Калифорния. Вот что рассказал ему Альберт о своем последнем открытии - Roland Fantom-X.

Грег Рул: Какие новые клавишные инструменты ты использовал в этом турне?
Альберт Менендез: Самым новым и существенным дополнением стал Roland Fantom X7. В его звук и возможности все сразу же влюбились. Это было очень своевременное приобретение. На репетициях Шакира просила найти новое концертное звучание для записанного в студии материала. Что ж, Fantom X7 стал центральным инструментом.
Для звука органа у меня есть Roland VK-7. Наверное, я никогда с ним не расстанусь, очень люблю его звук. Так как мы играем рок, VK с его перегруженным звуком органа – единственная фишка, при помощи которой я могу на равных поспорить с гитаристами (смеется). Возил бы с собой живой Hammond, но с этими электромеханическими монстрами весом под 100 кг столько мороки! Так что обхожусь VK-7 и ничуть не жалею. А еще у меня есть Wurlitzer, и таким образом я использую на концертах Fantom-X, VK-7 и Wurlitzer.
Г.Р.: Как ты используешь Fantom-X во время шоу?
А.М.: Да, это рабочая лошадка, которая пашет всегда, когда музыканту требуется универсальный инструмент: жужжащие подклады, низкие суббасы и пронзительные подзвучки, много струнных, оркестровые инструменты, такие как фагот, и, конечно же, звук акустического фортепиано. Я использую два типа фортепьяно от Fantom-X – классическое фортепьяно, и прикольное такое яркое фортепиано с хорусом. В общем, где-то 60-70 процентов клавишных звуков идет с Fantom-X, а остальные c VK-7.
Г.Р.: Рабочую станцию Fantom-X можно расширить с помощью карт расширения SRX. Используешь ли их ты, и для каких звуков?
А.М.: У меня стоит Symphonique Strings SRX-04. Большинство из звуков струнных идет оттуда. Там есть не только засэмплированная струнная секция оркестра, но и жирные подклады, хитро скомпонованные из оркестровых сэмплов.
А звук фортепьяно идет с карты Complete Piano SRX-11. Встроенный звук фортепьяно в самом Fantom неплох, но послушав, как оживает инструмент с картой Complete Piano, я просто растаял. Невероятная динамическая отдача – от деликатнейшего пьяниссимо до сокрушительного форте.
Г.Р.: А сэмплер Fantom X ты использовал? Для каких целей?
А.М.: Не было необходимости. Часто думаю, что когда дойдут руки, перекопаю большое количество звуковых библиотек, выберу что-нибудь, что мне нужно. Но пока все, что было нужно, есть внутри Fantom – либо в картах SRX.
Г.Р.: Когда ты впервые принес Fantom-X на репетиции, ты увидел какую-нибудь реакцию других участников группы или звукорежиссеров?
А.М.: Первый парень, который отреагировал на него, был наш звукоинженер мониторной линии Митч, он помешан на звуке. Он подошел и сказал: «Круто, Альберт! Что это звучит?». Да, в роковом составе, где плотная звуковая картина формируется гитарами, сладенькими тонами не обойтись. Пробивное звучание Fantom-X понравилось всем.
Г.Р.: Как инструменты Roland ведут себя в дороге?
А.М.: Это прочные и надежные инструменты, у меня просто не было проблем с ними. VK-7 побывал со мной на предыдущих гастролях с Шакирой. Ездит уже семь лет и работает бесперебойно.
Г.Р.: В конце беседы барабанщик Шакиры Брендан Бакли сообщил мне, что в этом турне он купил электронные барабаны Roland в дополнение к своей акустической ударной установке.
 
313+303 = ХОХ. Техно – Музыка машин и богов
Филипп Баранов,
a.k.a. mix2r@
Техно – музыка из машины, музыка с душой машины, и основная идея в техно – гармония человека и машины. Время машин теперь отступило на Дальний Восток, а техно задержалось с нами – мы не спешим расставаться с единожды обретенной гармонией. В наших краях наступил информационный век, а информация и манипуляция ею – новый предмет искусства. Мы говорим об интерфейсах и файловых системах так, как раньше говорили об инструментах и творческом потенциале.
Однако информации о техно, музыке из недавнего прошлого (папа, у тебя весь Детройт цел?), а ныне столь же респектабельной (мама, ты идешь на Hardfloor?) и укоренившейся вслед за роком и диско не так много. Есть много воспоминаний и восторгов, много маркетингового «базза», или, по-другом, базарного шума. Современные компьютерные аудиопродюсеры живут с недостатком информации о технологиях, соответствующих музыке техно. В обзорах и статьях пишут о троице из Бельвиля, о техномузыке В под влиянием техномузыки А или артисте из D, напоминающем раннего C. А в форумах с завидным постоянством возникают вопросы типа «что выбрать для живого техно: сэмплер, синтезатор, или по паре каждого?»
Для живого техно нужны машины, «машины с нулем в середине» – так называют инструменты серий ХОХ. Современные виртуальные студии и музыкальные программные среды типа Ableton, Max/MSP, NI Reaktor, PD вместе с плагинами и богатым выбором MIDI контроллеров позволяют построить большинство техноустройств и воссоздать в общих чертах множество техносетов, но для этого их нужно себе представить и знать, как они работают. Есть и программно-аппаратные (Nord Modular и Nord Modular G2, например) и совершенно аппаратные средства, могущие повторить XOX-интерфейс или имеющие режимы работы, повторяющие ХОХ-интерфейс.
Почему я заговорил об ХОХ-интерфейсе, что это такое? Самым маленьким элементом техно является паттерн или однотактная секвенция. Можно бесконечно продюссировать свою техномузыку, склеивая ее из кусочков чужой, но рано или поздно любой из современных технопродюсеров обращается к истокам. Собрать свой паттерн, видоизменять его в реальном времени, уводить и выводить вновь – вот основной прием техно, так технотреки создаются, так же их можно и играть. Техно со всеми своими возможностями и ограничениями состоит из этого. Если ХОХ-машина работает, значит она делает музыку. Техно – диалог с машиной, техно – парадокс возможностей и ограничений, техно – эмоции, возникающие в связи с технологиями, а в информационном обществе возможен не только информационный голод, но и переизбыток.
ХОХ-машинами называют устройства Roland cо встроенными секвенсерами TR-606, TB-303, TR-808, МС-202, TR-909, TR-707, SH-101 и некоторыми другими. Выпуская на рынок TR-606 и ТВ-303, предполагалось использование этой сладкой парочки в качестве ритм-группы для записи демо или репетиций танцевальных номеров, где необходима возможность изменения темпа. В руководстве были напечатаны схемы нескольких паттернов в стили рок и латино, устройства можно было соединить последовательно или включить в портостудию, чтобы быстро записать барабаны с басом. В рекламе TR-808 назвали непьющим барабанщиком, этот массивный барабанный синтезатор имел отдельный выход и регулировки для каждого инструмента. Но есть ли прямые наследники? Позволяет ли современный электронный инструмент с секвенсером выстроить трек в реальном времени на глазах изумленной публики без загрузки предварительно подготовленного материала? Насколько богаты интерфейсы современных ХОХ-устройств для импровизации в техно-манере? Сейчас, когда ролики с YoTube – самая доступная и распространенная форма самопромоушна, у многих после просмотра клипов с живыми техно-импровизациями возникают вопросы: что это они делают? как они это делают? У редких российских ХОХ-проектов вроде Murzin Rocks Shulgin, играющих живьем паттерновое acid-техно, редкое выступление не начинается или не заканчивается мастер-классом на тему «а что это вы делаете?» Приходится объяснять, рассказывать слушателям и даже музыкантам, уверенным, что горчица берется из горчичников, а техно – из компьютеров

tr-707.jpg


Первые попытки выпустить инструменты с ХОХ-интерфейсом не особенно удались даже фирме Roland, компании, в изделиях которой ХОХ-интерфейс получил массовое распространиение. Их новые грувбоксы оснащены самыми разнообразными возможностями, которых не было в предшественниках. Инструменты новой «серии с нулем в середине» имеют так называемый TR-режим записи, который имеет grid-mode-образный способ ввода нот без остановки секвенсера. Однако смена звуков, фраз и некоторые другие возможности, необходимые для игры, а не проигрывания паттернов в реальном времени, там представлены слабо.
Техно: recycling scifi-эстетики и существующих возможностей
Теперь уже можно признать, что слова о техно, как о Kraftwerk и Parliament Funkadelic, застрявших в одном лифте, не лишены смысла. Техномузыка/техносцена всегда утилизует существовавшие и существующие возможности, но получающаяся при этом технокультура представляет собой некую альтернативную реальность + новый пласт культуры.
Поэтому сказать, что техно – использование возможностей, предусмотренных в тех или иных музыкальных устройствах и приборах, было бы неправильным. Разве Роберт Муг поместил 3 генератора внутрь cинтезатора Moog для того, чтобы Kraftwerk использовали третий генератор в качестве LFO и получили эффект арпеджио, а на его основе построили для
своих композиций автоаккомпанемент?
Массовое техно стало возможным благодаря существованию вторичного рынка музыкального оборудования, первоначально предназначавшегося вовсе не для техно, впрочем, для чего, кроме паттерновой музыки (официальную версию мы знаем), может сгодиться TB-303, представить сложно. В конце 1970-х снижение стоимости постановки шоу-номеров и демо-студий для профессионалов стал важным стимулом для создателей музыкальных технологий. Японские фирмы агрессивно конкурировали с американскими производителями и постоянно выбрасывали на рынок недорогие профессиональные магнитофоны с возможностью подключения инструментов для репетиций, драм-машин для танцевальных площадок и электроорганов для гостиных.
Взаимодействуя с ритм-машиной, пользователь делает вовсе не какое-то абстрактное «техно» и уж тем более не свою музыку, а музыку компании Roland образца 1982 года. Так сказал Маркус Попп в интервью Андрею Горохову. Такой ли он жесткий, этот сценарий, на основании которого создавались и создаются электронные музыкальные системы? Думаю, японские инженеры в наши дни только учатся взаимодействовать с собственными разработками так, как это удается ушедшему в отставку пожарному диспетчеру, канадцу английского происхождения вот уже 15 или 20 лет назад прославившегося как раз своим техно-мастерством. Сможет ли японский инженер, насквозь пропитанный корпоративным духом, отпустить на волю свое эго так, как это смог сделать деклассированный негритянский программист из умирающего детройтского черного middle-класса? Ответьте себе сами.
 
Драм-машины продавали не для техно, а для аккомпаниаторов/руководителей танцевальных коллективов, сэмплеры покупали не рэпперы, а владельцы радиорубок и продюсеры программ и рекламы для кабельного телевидения. Но техно-музыканты то и другое использовали по-своему, получая совершенно другие результаты. На закате индустриальной эпохи DIY-эстетика нашла свое отражение в том числе и в техно. Многие из первых технопродюсеров и музыкантов имели вспомогательные околомузыкальные занятости – работали в звукозаписывающих фирмах, на радио, при танцевальных студиях и рекламных агентствах. Там обычно они осваивали средства продакшна и пост-продакшна: работу с сэмплерами, рекордерами, драм-машинами, устройствами динамической обработки и процессорами эффектов. В коммерческих студиях часто нужно было изготавливать джинглы, заставки, отбивки, сэмплировать библиотеки шумов с пленки в сэмплеры, монтировать фонограммы и микшировать эфирные программы. Тон задавали крупные радиостанции и теле-киностудии, щедро осваивающие госбюджеты в своей области, небольшим коммерческим фирмам приходилось поспевать за флагманами. Это порождало беспрерывную «гонку вооружений» и непрекращающуюся модификацию оборудования, что, в свою очередь, питало вторичный рынок, из которого инструменты попадали в руки тех самых бывших звукотехников, RJ и DJ. C помощью этой техники, технологий и полученных навыков они позже вышли сначала на андеграундную DIY-сцену, а затем – на первые роли и в альтернативные хит-парады. Техно-андеграунд вырос на списанных технологиях. Типичный пример – белые сэмплеры Akai: эти устройства были запущены на рынок бюджетного видеопроизводства, как и цифровые магнитофоны Alesis ADAT или Tascam. Вы когда-нибудь видели фото из студий для производства киномузыки? Там эти сэмплеры занимали по несколько стоек от пола до потолка. В видеопроизводстве они обросли библиотеками и целым поколением пользователей, а потом уже через вторичный рынок попали к DJ и музыкантам, которые сделали зацикленный аудиофрагмент – луп неотъемлемым средством выразительности новой музыки. Похожая ситуация случилась и с драм-машинами. Технопродюсеры быстро поняли, что программирование паттерна – самодостаточный процесс, не нужно собирать из паттернов ритм-трек или песню – гораздо интереснее само возникновение и развитие паттерна в реальном времени, записанное при необходимости.
Сервис звукозаписывающих студий и линий малотиражной штамповки винила и FEDEX создавали не для организации технодистрибуции. Еще в годы Второй мировой войны на североамериканской территории существовали разветвленная сеть и сервис студий звукозаписи. Каждый человек с улицы мог зайти и записать пластинку – аудиописьмо для родственника, воюющего в Нормандии. Точно так же каждый мог записать любимую песню в собственном исполнении и отправить пластинку своей маме или на радиоконкурс – американская сеть коротковолновых радиостанций проводила бесконечные конкурсы как самодеятельных исполнителей, так и целых групп. Была налажена почтовая пересылка грампластинок, а позже – real-2-real бобин и кассет. Чтобы понять феномен альтернативной культуры, нужно отчетливо представлять себе эти возможности: записать свою пластинку или выпустить свой небольшой тираж винила в Америке еще в 1960-е было не сложнее, чем сейчас отдать одежду в химчистку. Записать пластинку для школьного конкурса или к дню рождения выходило не дороже заказного именного торта.
Что представляет собой ХОХ-сетап, какие особенности его характеризуют? Типичный ХОХ-сетап – это две драм-машины 909 и 808 (606, 707) и два паттерновых секвенсера типа 303 (или 202+101). Это основа ХОХ-сета. Что-то подобное было реализовано в программном виде под названием Rebirth шведской софтверной компанией Propellerheads. Сейчас у Rebirth уже есть свой музей, но когда-то эта штука всколыхнула мир и вызвала один из первых массовых камбэков техно на эстраду. Обычно каждый ХОХ-инструмент оказывается заведен на свою линейку микшера, в разрыв канала одного из 303 включен гитарный или другой мультипроцессор, на один из посылов заведена цифровая, реже многоотводная пленочная задержка и на другой – ревербератор. В разрыв мастер-выхода включается компрессор или мастеринговый динамический процессор, не редкость компрессор и на каждой барабанной подгруппе, если возможности пульта это позволяют. В ходе живого выступления на сцене эквализацией и изменением баланса инструментов можно добиваться изменения грува – основного качества танцевальной музыки. «Один инструмент – одна линейка» является очень важным принципом, поскольку позволяет визуализировать расположение инструментов, и технодуэты при выступлениях живьем такой визуализацией активно пользуются: если сейчас заиграет Open Hihat или клэппер, то до того, как он будет выведен на микшере, индикаторы нажатых кнопок светятся, и таким образом другой музыкант увидит, что произойдет со следующего такта или квадрата, до того, как это произойдет. Аналогичная ситуация с TB-303: новый паттерн заиграет после того, как доиграет предыдущий, такие возможности позволяли сохранять ясную и понятную форму композиции и вступать одновременно даже в условиях не слишком качественного сценического мониторинга. Техно-аранжировки всегда были довольно минималистичными, и музыканты при наличии опыта вполне могли выстроить нужный баланс в реальном времени, находясь на сцене.
Современная ХОХ-машина имеет так называемый grid mode ввода нот/долей при записи. В новых грувбоксах этот режим называется TR-mode (как в машинках TR-серии). Принцип работы аутентичных XOX-машин довольно прост: нижний ряд из 16 кнопок с лампочками соответствует 16 долям такта, имеются кнопки выбора шкалы разрешения и размера: 2/4, 4/4 или триольный: 3/4, 6/8 и т.д. Сначала выбирается инструмент (ручкой-селектором как на 808, кнопками или в меню в других моделях). После запуска машины огонек бежит и показывает, какую из долей машина сейчас играет, нажав на первую, пятую, десятую и тринадцатую кнопки, мы зажигаем огоньки и получаем, скажем, бочку на каждую сильную долю. При повторном нажатии можно добавить акцент или отменить этот инструмент на этой доле. Паттерн сменяется после проигрывания такта, на соседнем такте можно напрограммировать ролл или сбивку и переключать такты по мере необходимости. Учитывая техноквадрат и то, что грув и бит обычно изменяются не чаще каждого второго/четвертого тактов, сбивки, удвоения и брейки вполне реально извлекать в реальном времени, активируя те или иные доли нажатием на соответствующие кнопки/клавиши.
Игра на ТВ-303 требует совершенно особенных навыков и мастерства, поскольку после установки разрешения необходимо нажатием на специальные кнопки пошагово вводить: изменения высоты, транспозицию на октавы, паузы, акценты и глайд. Одновременно видны параметры только одной ступени – не самый интуитивно понятный интерфейс, который провоцировал на особенные результаты и звучащие определенным образом. Музыканту, в реальном времени программирующему TB-303, важно видеть, что вводится в другие играющие ХОХ-инструменты, изменения вступают в силу со следующего такта, можно и нужно отреагировать на изменения в партиях, сбивки и акценты, скажем, ритмтрека или большого барабана.
Большинство аутентичных ХОХ-машин имеет по одному параметру на регулятор, только в более поздних машинах появились страничные меню, которые расширили возможности, но снизили оперативность реагирования в живой ситуации. В TR-909 выбор барабана для ввода осуществляется специальной кнопкой, в большинстве современных ХОХ-систем сначала выбирается набор звуков, назначенных на одни и те же клавиши или кнопки. Вы наверняка знакомы с General MIDI – раскладкой барабанов, где С=бочка, D=малый, E=snappy и т.д. При подготовке к игре имеет смысл запомнить эту раскладку и при создании собственных наборов придерживаться ее. Еще перед началом игры необходимо выбрать длину фраз. Обычно это 1-2 такта. Существовала также особенная форма записи паттернов на листочках в клеточку. В сети есть множество таких рисунков.
 
BD: x---x---x---x--- – это классический four on the floor – бочка 4/4;
SD: ----x--------x--- а – это малый на вторую и четвертую доли;
CH: хххххххххххххххх – закрытый хет на каждую долю и так далее.

Очень удобно осуществлять ввод однотактного грува в однотактных паттернах, а любые изменения вводить в специальных двух- и более тактных паттернах.
Работа с эффектами в реальном времени – важный исполнительский прием в техно-арсенале. Переходы могут быть обозначены длинными хвостами, запускаемыми с увеличением величины обратной связи DLY-процессора или изменением баланса прямой/обработанный сигнал. Сейчас все эти приемы не представляют собой ничего необычного, кроме, наверное, понимания и умения делать красивые и уместные эффекты в реальном времени без автоматики и графического представления на дисплее компью- терной аудио рабочей станции.
Одной из первых XOX-машин была маленькая простая машинка TR-606 – «барабанный прицеп» ТВ-303, она даже выглядела так же. На момент появления TR-606 и ТВ-303 позиционировались в один рынок и на рекламах изображались рядом как первые продукты серии ProForm. TR-606 имела встроенный аудиомикшер, поэтому отдельного аудиовыхода у каждого барабана не было, зато были отдельные регуляторы громкости для каждого из шести барабанных треков. TR-606 позволяет переключаться из режима проигрывания паттернов в режим редактирования и обратно без остановки секвенсера, аналогичное решение я встретил в Yamaha RS7000, Quasimidi Rave-o-lution 309 и Radikal Spectralis. Современные ХОХ-машины должны позволять выбирать MIDI-дорожки и инструменты, а также выходить из режима редактирования без остановки секвенсера. Также в современных XOX-грув-боксах есть возможность установки значений параметров нот до ввода, в некоторых паттерновых секвенсерах имеется возможность ввода значений контроллеров и другой ненотной информации. Больше всего новостей по развитию ХОХ-музицирования сейчас приходится на DIY-комьюнити и сложившийся вокруг него рынок полусамодельных и мелкосерийных полуаналоговых полукомпьютерных музыкальных инструментов и приборов.
----------------------------------------------------------------------------------------
 
Dream Theater. Джон Петруччи. Шесть степеней внутренней неразберихи
(по версии GW март 2002: Inner Vision by Alan Paul)
GW: Cольные партии на альбоме Six Degrees сильно взаимосвязаны, особенно между вами и Джорданом Рудессом.

JP: Это является прямым результатом того как писался альбом. Майк, Джордан, Джон и я начинали работать в студии где все было готово для записи. Идеи буквально носились в воздухе. Мы пробовали разные варианты. В какие-то моменты подключался Джеймс и делал вокал. Мы бы ни за что не смогли бы работать так, если бы не опыт накопленный в процессе работы над двумя альбомами Liquid Tension ( Параллельный проект с Петруччи, Рудессом, Портным и Тони Левиным (бас-гитаристом King Krimson), которые были сделаны исключительно в результате продолжительных джем сессий.

"Гитарист использует гитары моделей 6 и 7 струн Ernie Ball Music Man JP signature. Каждая использует пьезодатчик в бриджевой позиции. Гитарный сигнал через стерео кабели Planet Waves поступает на а/в переключатель Frampton и через него на стойку с заказным оборудованием, разработанным Mark Snyder (пьезо датчики тоже - его) на микшерский пульт.

При исполнении соло сигнал поступает на коммутационное устройство Snyder, определяющее тип сигнала и в зависимости от этого коммутирующее его на стойку с оборудованием для лид-сигнала или стойку для ритм-сигнала. Digital Music Stereo Line Level mixer комбинирует "сухой" сигнал с обработанным сигналом поступающим от 2-х TC Electronics 2290, 2-x TC Electronic M3000, TC Electronic G-Force , Eventide DSP7000 Ultra-Harmonizer, DBX Compressor/Gate, цифровой задержки и фазера BOSS, от рэковой Cry Baby Dunlop DCR2SR. далее левый и правый сигналы подаются на две головы Mesa Boogie Dual Rectifier Road King, третий Road King управляет Framptone Talk Box или используется как резерв.

Ритм-сигнал маршрутизируется аналогично через два MesaBoogie Lone Star, TC Electronics 2290, Tc Electronics M3000 и DBX компрессор. Этот сигнал поступает на два кабинета Traditional recto cab MesaBoogie 2 x 12. Лид-сигнал поступает на два кабинета Traditional recto cab MesaBoogie 4 x 12. Все кабинеты построены с использованием динамиков Сelestion Vintage.

На доске педалей используется Dunlop Cry Baby, Ernie Ball Stereo Volume, тьюнер Boss Tu-2. Управление звуковой панорамой Петруччи производит через экспандер Skrydstrup SC1"

GW: На Six Degrees прослушиваются изменения в тональности звучания. Было ли это подсознательно?

JP: Да обычно, я не стремлюсь менять оборудование в процессе записи альбомов, но в этот раз я стремился использовать те звуки и то оборудование, которые повлияли на меня при создании материала. Я играл на своей заказной гитаре Ernie Ball Music Man, Но для достижения более тяжелого звучания я использовал 7-ми струнную модель. В частности Майк и я создали Glass Prison (Six Degrees) после посещения выступления Pantera, что сподвигло нас на создание реально тяжелой музыки. Я понял, что мой обычный плотный артикулированный звук не работает в очень тяжелой музыке. Поэтому пришлось взятся за семиструнную гитару. Ее я подключил к MesaBoogie Dual Rectifier, у которого более современный звук. Также я использовал 6-ти струнный бас Ernie Ball Silhouette, настроенный как баритон гитара от A до А, что заставило переработать весь исполняемый материал (Blind Faith, Misunderstood)

GW: Что в вашем арсенале для концертных выступлений?

JP: Четыре головы Mark II C-Плюс и преампы. Смысл такой через один кабинет идет "сухой" сигнал, через правый и левый кабинеты идут обработанные сигналы, каждый от отдельной головы. В качестве эффектов использовался Eventide Eclipse, TC Electronics 2290, дилей Korg, и Eventide GTR4000. Раньше моя стойка содержала столько оборудования, как иной музыкальный магазин. Но я упростил все, так как многие вещи я совсем не использовал.
 
Джо Сатриани. Экстремист. Засланец иных миров. Обрудование.
(Guitar World октябрь 2004: Dawn of the shred by Joe Bosso)
В ту пору, когда Ван Хален порождал себе подобных имитаторов с огромной интенсивностью и скоростью, с какой он умел извлекать звуки на своей гитаре, два подростка в небольшом сонном городишке Карл Плэйс уже обьединяли усилия, первоначально как преподаватель и студент, а в конце концов как дуэт талантливых исполнителей в лице Джо Сатриани и Стива Вая, с тем чтобы бросить контрреволюционный вызов в ответ на революцию Ван Халена.
Их исполнительское мастерство носило более экспериментальный характер, состояло из огромного количества нюансов, но от этого не становилось менее влиятельным. Назовем этот стиль - Месть Гитарных ботаников в стиле Восточного побережья (D7: Америки). В возрасте 9-летнего Вая, 11-летний Сатриани - это авторитет. Правда, через год Сатриани перестал взымать за занятия 5 долларов в час с Вая . И друзья погрузились в многочасовые джем-сессии......
(Guitar Player октябрь 1992: Distortion Tips From the Loud and Mighty)
Джо Сатриани:
".....когда я начал работу над Not of this Earth в 1985, я работал в группе? где я подключался к двум Маршаллам в стерео-режиме. Хотелось дополнительных звуковых решений, и я использовал усилитель Фендер 2 х 12 с педалью дисторшн BOSS DS-1. Иногда Маршаллы включались последовательно с Boss Ds-1. Все мои первые альбомы писались с ритм-машинами и с очень дискретной повторной накладкой треков. Даже когда использовались живые барабаны, все равно изначально записывались гитары с ритм-машинами. Если записывать мощный драм-кит, пульсирующий бас и потом пытаться добавлять гитару ,эти маленькие коробочки дисторшна ни черта ни дают. Просто они не катят, потому что они не такие разноплановые, как реальный усилитель на различных стадиях овердрайва.
Поэтому на Extremist 99% дисторшна сделано на ламповых усилителях либо на Маршаллах, Меsa Boogie Dual Rectifier или Peavey. Маршаллов одинаковых не бывает в принципе. Они могут зазвучать блестяще, а потом неожиданно сдохнуть. В конечном итоге мне удалось найти замечательный вариант размещения микрофона таким образом, при подборе правильных параметров компрессии и лимитирования мне удалось сделать требуемый звук. Я использовал DiMarzio Paf Pro в нэковой позиции - этот датчик имеет не столь высокую выходную мощность, в бриджевой позиции использовался еще более слабый датчик DiMarzio Fred. Если сигнал слишком жирный, страдает фразирование материала, поскольку утрачивается читаемость игры....
(Guitar Player 1994 январь: Joe Satriani: back to the future via Time Machine by
James Rotondi)
GP: Какие инструменты вы использовали для записей новых трэков ?
JS: Прототип, который я разрабатываю совместно с Ibanez -JS6. Я начинал играть на Esquire '58. Но понял - он не годится : нельзя делать одно, не получается - другое. Мы построили несколько прототипов гитары и вместе со Cтивом Блюхером (DiMarzio) cоздали радикальный дизайн датчиков, который вы, возможно, еще не встречали. Eventide для записи прислал прототип DSP-4000 это эволюционная модель их гармонайзера. Я включался в усилитель, построенный чуваком из Нью-Йорка по имени Мэтт Вэлс, имевший всего 17 ватт, но он был таким же громким как любой 100-ваттник, которым я когда либо владел. Я включал его в Маршалловский кабинет 1969 года. Звук был бесподобным. Сам усилитель выглядел похожим на старый Воксовский усилитель.....
(Guitarist ноябрь 2002: The History of Cornford by Nick Guppi)
У Сатриани есть все модели Корнфорда. Первая модель Harlequin 6 ватт вышла в 1999 году. Чуваки в статье утверждают, что присутствовали на концерте G3, на котором прозвучал голос первого прототипа. Радостно сообщают, что вот уже три года Сатриани пилит на Корнфордах 1999 - 2002. Наиболее рабочая лошадь Cornford MK-50. Последняя Cornford Hellcat 35 ватт.
D7:Дополнение. Оборудование Сатриани во времена Strange Beautiful Music)
(GuitarPlayer август 2002: Joe Satriani Strangely Beautiful)
На сцене Marshall 6100, педаль дисторшн Boss DS-1.Для домашней и студийной работы предпочтение обычно получают усилители с небольшой выходной мощностью от фирм
Wells и Cornford. На этом диске совместно с семиструнным Ibanez JS-7 эпизодически использовался Mesa/Boogie Triple Rectifier
На диске Is there Love in space? используется заказной усилитель Peavey JSX и новая именная гитара.
(Guitar One июнь 2004: Space Boogie)

Усилитель Cornford 100 Watt 1/2 Stack serial #0001. принадлежавший Joe Satriani
Ремонтная мастерская "Gary Brawer's String Instrument Repair" выполняла в течение 15 лет работы по обслуживанию гитарного оборудования Joe Satriani. В распоряжение мастерской поступал усилитель Cornford 100 Watt и кабинет 4 х 12. Серийный номер усилителя 0001. Хотя на корпусе логотип MK50H , на шасси построена схема прототипа для 100 ваттной головы. Усилитель имеет переключатель 115/230 вольт, а также переключатель напряжения смещения позволяющий использовать лампы 6L6 и EL34. кабинет содержит динамики Celestion Vintage 30. Кабинет и голова покрыты традиционным для Корнфордов толексом цвета бургунди. Голова усилителя комплектуется обычным футсвитчем.
5701_3.jpg


5a7d_3.jpg


83de_3.jpg


7215_3.jpg
 
Последнее редактирование:
  • Like
Реакции: D_Cooper

Сейчас просматривают